EGON SCHIELE|8 MIN CZYTANIA
Kim był Egon Schiele
Przystępna biografia austriackiego ekspresjonisty, obejmująca jego edukację, relację z Gustavem Klimtem, radykalne studia postaci, najważniejsze dzieła i przedwczesną śmierć.
AUTOR MORYARTY
Urodzony w Austrii w 1890 roku Egon Schiele stał się jednym z najważniejszych twórców wiedeńskiego ekspresjonizmu, zanim zmarł w wieku 28 lat. W portretach, autoportretach i studiach postaci zastąpił akademickie ideały piękna kanciastymi ciałami, odsłoniętą skórą i bezpośrednią obserwacją psychologiczną.
Jego kariera rozwijała się w ostatnich latach istnienia Austro-Węgier. Obejmowała formalną edukację w Wiedniu, wsparcie Gustava Klimta, pobyt w więzieniu z powodu erotycznego rysunku, służbę wojskową podczas I wojny światowej oraz dużą wystawę krótko przed tym, jak pandemia grypy w 1918 roku zakończyła jego życie.
Artysta w skrócie
Pracował głównie ołówkiem, czarną kredką, gwaszem i akwarelą na papierze. Często prowadził wokół ciała nieprzerwaną linię konturu, dodawał kolor jedynie w wybranych miejscach, a znaczną część arkusza pozostawiał nietkniętą. Odsłonięty papier oddziela postać od jakiegokolwiek rozpoznawalnego wnętrza czy otoczenia.
Portrety i ludzkie ciała dominują w zachowanej twórczości Schielego. Pozowali mu członkowie rodziny, mecenasi, dzieci, pracownice seksualne, inni artyści, jego kochanka Walburga 'Wally' Neuzil oraz żona Edith Harms. W dziesiątkach autoportretów badał także własny wygląd, często zmieniając pozę, wyraz twarzy i pozorny wiek.
Prace mogą sprawiać wrażenie spontanicznych, lecz ich kompozycje były starannie kontrolowane. Dłonie, łokcie i kolana często sięgają ku krawędziom papieru. Ucięta stopa lub ręka zazwyczaj stanowiła świadomą decyzję kompozycyjną, a nie ślad niedokończonego studium.
Wczesne lata w Austrii
Urodził się 12 czerwca 1890 roku w Tulln an der Donau, kolejowym mieście na północny zachód od Wiednia. Jego ojciec, Adolf Schiele, był naczelnikiem stacji. Matka, Marie Soukup, pochodziła z Krumau, dzisiejszego Český Krumlov w Czechach.
Kolej wielokrotnie pojawiała się w jego dziecięcych rysunkach. Rodzina mieszkała blisko torów, a w zachowanych zeszytach szkolnych znajdują się szkice lokomotyw i wagonów. Podobno ojciec zniszczył część rysunków, ponieważ uważał je za przeszkodę w nauce.
Adolf chorował na kiłę i zmarł w 1905 roku. Wujem chłopca ze strony matki i jego prawnym opiekunem został wówczas Leopold Czihaczek. Chciał, by Schiele wybrał stabilny zawód, ale ostatecznie zgodził się na jego podanie do szkoły artystycznej.
W 1906 roku, w wieku 16 lat, Schiele rozpoczął naukę w Akademii Sztuk Pięknych w Wiedniu. Studiował pod kierunkiem Christiana Griepenkerla, malarza kojarzonego z tematyką historyczną i alegoryczną. Akademia wymagała od studentów kopiowania gipsowych odlewów i przestrzegania ustalonych zasad rysowania ludzkiego ciała.
Ten system go frustrował. W 1909 roku opuścił akademię i wraz z innymi studentami, w tym Antonem Peschką i Franzem Wiegelem, założył Neukunstgruppe, czyli Grupę Nowej Sztuki. Ich pierwsza wystawa odbyła się jeszcze w tym samym roku w Kunstsalon Pisko w Wiedniu.
Gustav Klimt otwiera drzwi
Kiedy nastoletni Schiele rozpoczął naukę w akademii, Gustav Klimt był czołowym nowoczesnym malarzem Wiednia. W 1897 roku Klimt zerwał z konserwatywnym Künstlerhaus i pomógł założyć Secesję Wiedeńską, stowarzyszenie wystawiennicze promujące nową sztukę z Austrii i zagranicy.
Obaj artyści poznali się około 1907 roku. Klimt wspierał młodszego twórcę, kupował jego rysunki oraz przedstawiał go mecenasom i modelkom. Schiele uczestniczył również w Internationale Kunstschau w 1909 roku, gdzie prezentowano prace Klimta, Oskara Kokoschki, Edvarda Muncha i Vincenta van Gogha.
Wpływ Klimta jest wyraźny we wczesnych pracach Schielego. Spłaszczone tła, wzorzyste stroje i wydłużone sylwetki nawiązują do dekoracyjnego języka Secesji. Portret z 1908 roku, powszechnie znany jako Rude włosy, niebieski kapelusz, pochodzi z etapu, gdy ornamentalna tkanina nadal rywalizowała o uwagę z twarzą i ciałem modelki.
Klimt nie uczynił jednak ze swojego podopiecznego naśladowcy. Zapewniał mu kontakty i zawodowe wsparcie, nie narzucając jednej metody pracy. Do 1910 roku młodszy malarz usunął ze swoich obrazów większość złota, ornamentów i łagodnego rytmu powierzchni.
Kształtuje się ostrzejsza kreska
Zmiana stała się widoczna w autoportretach z 1910 roku. Ciała wyszczuplały, stawy nabrały ostrzejszych kształtów, a skórę znaczyły zieleń, czerwień i ochra. Czarna kredka tworzyła suchy, urywany kontur, odmienny od płynniejszych linii Klimta.
Kolor nakładał wybiórczo, zamiast modelować nim całe ciało. Policzek, sutek, knykieć lub pasmo włosów mogły otrzymać kilka intensywnych pociągnięć, podczas gdy otaczający je papier pozostawał pusty. Ta oszczędność środków nadawała niewielkim rysunkom siłę wizualną znacznie większych obrazów.
W 1911 roku przeniósł się z Wally Neuzil do Krumau, rodzinnego miasta swojej matki. Mieszkańcy sprzeciwiali się obecności niezamężnej pary oraz młodych modeli w jego pracowni. Jeszcze w tym samym roku oboje wyjechali do Neulengbach, na zachód od Wiednia.
Policja aresztowała go w Neulengbach w kwietniu 1912 roku po tym, jak nastoletnia dziewczyna spędziła noc poza domem w jego towarzystwie. Zarzuty dotyczące uprowadzenia i niewłaściwego zachowania seksualnego oddalono, lecz został skazany za pozostawienie erotycznych rysunków w miejscu dostępnym dla nieletnich. Spędził w areszcie 24 dni, wliczając okres przed procesem, a sędzia spalił jeden z rysunków na sali sądowej.
Uwięzienie nie zakończyło jego kariery, ale zmieniło warunki, w których pracował. Powrócił do Wiednia i w większym stopniu polegał na uznanych kolekcjonerach, takich jak przemysłowiec August Lederer i marszand Hans Goltz. Zamówienia portretowe i wystawy zapewniały pewniejszy dochód niż nieformalne warunki pracy w pracowni w Neulengbach.
Wkrótce nastąpiły także zmiany w życiu osobistym. W 1914 roku zbliżył się do Edith Harms, która mieszkała z rodziną naprzeciwko jego wiedeńskiej pracowni. Zakończył związek z Wally i poślubił Edith 17 czerwca 1915 roku, trzy dni przed zgłoszeniem się do służby wojskowej.
Obowiązki wojskowe nie utrudniały mu pracy tak bardzo, jak zrobiłoby to wysłanie na front. Pilnował rosyjskich jeńców w pobliżu Mühling, a później pracował w wojskowych biurach zaopatrzenia. Oficerowie czasami pozwalali mu rysować, dzięki czemu podczas służby tworzył portrety jeńców i współpracowników.
Najważniejsze dzieła krótkiej kariery
Martwa matka I, namalowana w 1910 roku, należy do pierwszego samodzielnego okresu twórczości. Przedstawia ciemną postać matki otaczającą żywe niemowlę, odwracając znaczenie ciepła oczekiwanego od tradycyjnej kompozycji Madonny z Dzieciątkiem. Temat łączy się z powracającym u Schielego zainteresowaniem ciążą, narodzinami i śmiertelnością.
Autoportret z miechunką z 1912 roku ukazuje artystę w czarnym stroju obok gałązki pomarańczowej miechunki. Blada twarz, uniesione ramię i ucięty kadr tułowia tworzą czujną, powściągliwą pozę. Obraz należy do bogatej kolekcji prac artysty w Leopold Museum w Wiedniu.
Portret Wally Neuzil, również namalowany w 1912 roku, przedstawia Wally patrzącą wprost na widza na tle jasnej płaszczyzny. Późniejsza historia własności obrazu stała się niemal równie głośna jak sam wizerunek. Dzieło zajęto w Nowym Jorku w 1998 roku, gdy było wypożyczone do Museum of Modern Art. Doprowadziło to do długiego sporu restytucyjnego, zakończonego ugodą w 2010 roku.
Pustelnicy z 1912 roku przedstawiają dwie ciemne, pełnopostaciowe sylwetki ściśnięte obok siebie. Drugą postać zazwyczaj wiąże się z Klimtem, choć obraz nie jest dosłownym podwójnym portretem. Artysta opisywał go później jako obraz żałobny, a niemal monochromatyczna powierzchnia odróżnia go od jaśniejszych akwarel.
Śmierć i dziewczyna powstała w 1915 roku po rozstaniu z Wally i ślubie z Edith. Kobieta przywiera do odzianej w szatę męskiej postaci na pustym tle. Używany dziś tytuł łączy ich uścisk z rozstaniem i śmiercią, tematami, które w czasie wojny stały się bezpośrednią rzeczywistością.
Siedząca kobieta ze zgiętym kolanem z 1917 roku przedstawia Edith w pasiastych pończochach i luźnym zielonym stroju. Jej ciało oglądamy z góry, a taka perspektywa przekształca zgięte kończyny w strukturę kompozycji. Ten rysunek wykonany gwaszem i czarną kredką znajduje się w zbiorach Albertiny w Wiedniu.
Rodzina, namalowana w 1918 roku, powstała początkowo jako podwójny portret, a następnie została zmieniona tak, by przedstawiać mężczyznę, kobietę i dziecko. Męska postać przypomina artystę, natomiast kobieta nie jest bezpośrednim portretem Edith. Dziecko było wyobrażone, ponieważ Edith zmarła w ciąży, a para nie miała dzieci, które przeżyły.
Uznanie, po którym nadeszła tragedia
Podczas 49. wystawy Secesji Wiedeńskiej w marcu 1918 roku otrzymał główną salę. Zaprojektował plakat wystawy i zaprezentował 50 prac. Sprzedaż oraz kolejne zamówienia umocniły jego pozycję zawodową po śmierci Klimta 6 lutego tego samego roku.
Sukces trwał zaledwie kilka miesięcy. Edith, będąca w szóstym miesiącu ciąży, zmarła na grypę 28 października 1918 roku. Jej mąż zmarł na tę samą chorobę 31 października, trzy dni później. Został pochowany na cmentarzu Ober Sankt Veit w Wiedniu.
Przedwczesna śmierć sprawiła, że jego dorobek skupia się w okresie zaledwie około dekady. Muzea traktują dziś rysunki jako ukończone dzieła, a nie drugorzędne przygotowania do obrazów. Puste tła, urywane kontury i skondensowane pozy wpłynęły na późniejszych artystów zainteresowanych fizyczną kruchością, w tym Francisa Bacona, Luciana Freuda, Jenny Saville i Tracey Emin.
Muzea i kolekcjonerzy muszą również mierzyć się z historią własności dzieł, które przechodziły z rąk do rąk w Austrii podczas rządów nazistowskich i po ich zakończeniu. Spór o Portret Wally zwrócił uwagę opinii publicznej na badania proweniencji, restytucję oraz przymusową utratę kolekcji należących do Żydów.
Ekspresyjne studia postaci we wnętrzu
Prace te najlepiej prezentują się tam, gdzie papier i kreska pozostają wyraźnie widoczne. Gęsto zapełniona ściana może przytłoczyć niewielkie studium postaci, natomiast pojedyncza grafika otoczona dużą ilością wolnej przestrzeni zachowuje poczucie izolacji obecne na oryginalnym arkuszu. Nasza kolekcja Schielego obejmuje portrety, siedzące postacie i projekty wystawiennicze, a grafika z wystawy w Galerie Arnot najlepiej prezentuje się jako samodzielna kompozycja.
Czarne aluminium współgra z ciemnymi konturami i odręcznymi podpisami Schielego. Wąski profil czarnej aluminiowej ramy nie wprowadza dekoracyjnych rzeźbień, które konkurowałyby z rysunkiem. Dostępne jest bezpłatne oprawienie, choć aluminium może wydawać się zbyt surowe w pomieszczeniach zdominowanych przez ciepłe drewno i tkane materiały. W takich wnętrzach rama z jasnej sosny wygląda łagodniej na tle kremowych ścian, dębowych mebli i naturalnych tkanin.
Warto też zachować ostrożność przy passe-partout: należy unikać okna, które zasłania dłoń, podpis lub szeroki margines papieru. Puste marginesy są częścią kompozycji, a nie zbędną przestrzenią wokół niej. Kolekcjonerzy pytający nas o Schielego niemal zawsze szukają najmniejszych, najbardziej intymnych arkuszy. Dlatego skromny format A4 lub pocztówkowy często sprawdza się na ścianie lepiej niż duża, powiększona grafika, która może osłabić napięcie oryginalnej kreski.
Czy wiesz, że?
- Dom rodzinny artysty, znajdujący się w budynku dawnej stacji kolejowej w Tulln, mieści dziś muzeum poświęcone jego życiu i twórczości.
- Pierwszą publiczną wystawę miał w 1908 roku w klasztorze Klosterneuburg, gdy miał 18 lat.
- Jego młodsza siostra Gerti często pozowała do wczesnych portretów, a później poślubiła jego kolegę z akademii, Antona Peschkę.
- Klimt zmarł w lutym 1918 roku, a Schiele wykonał kilka rysunków twarzy i dłoni swojego mentora w szpitalnej kostnicy.
- Leopold Museum posiada 42 obrazy i ponad 180 prac na papierze, co czyni jego zbiory największą muzealną kolekcją poświęconą artyście.
- Plakat Schielego na wystawę Secesji w 1918 roku przedstawia artystów siedzących wokół stołu, a jego własna postać zajmuje eksponowane miejsce u szczytu.
Najczęściej zadawane pytania
Gdzie można zobaczyć jego prace na żywo? Leopold Museum i Albertina w Wiedniu posiadają duże zespoły obrazów i rysunków. Ważne przykłady prezentują także Belvedere w Wiedniu, Neue Galerie w Nowym Jorku oraz Museum of Modern Art w Nowym Jorku. Wiedeń jest jedynym miastem, w którym podczas jednej podróży można zobaczyć obrazy, prace na papierze i materiały archiwalne.
Jak odróżnić oryginalny rysunek od reprodukcji? Wydrukowany podpis niczego nie dowodzi, ponieważ jest kopiowany razem z obrazem. Oryginał wymaga udokumentowanego łańcucha własności, badania papieru i pigmentów oraz porównania z katalogiem raisonné Jane Kallir, podstawowym opracowaniem przypisującym każdej uwierzytelnionej pracy numer K.
Ile kosztują oryginalne obrazy? Domy z kolorowym praniem sprzedano w londyńskim Sotheby's w 2011 roku za 24,7 miliona funtów. Prace na papierze zwykle kosztują mniej niż najważniejsze obrazy olejne, lecz uwierzytelnione przykłady nadal mogą osiągać ceny liczone w setkach tysięcy lub milionach.
Czy za życia wykonywał grafiki? Tak, lecz liczba jego akwafort, suchorytów, litografii i drzeworytów była niewielka w porównaniu z dorobkiem rysunkowym. Kupujący powinni odróżniać grafiki powstałe za życia artysty od współczesnych reprodukcji cyfrowych wykonanych na podstawie obrazów lub prac na papierze. Reprodukcja fine art jest rozsądnym wyborem dla większości domów, ponieważ nawet skromny oryginalny rysunek kosztuje znacznie więcej, niż zwykle przeznacza się na dekorację wnętrza.
Czy w Europie obrazy te są wolne od praw autorskich? Prawa autorskie do oryginalnych dzieł wygasły, ponieważ artysta zmarł w 1918 roku. Nowa fotografia muzealna lub skan cyfrowy mogą podlegać osobnym warunkom wykorzystania, dlatego prawa do publikacji należy nadal sprawdzać w instytucji, która udostępniła obraz.
O autorze
MORYARTY od 2015 roku zajmuje się selekcją reprodukcji plakatów vintage. Nasz zespół pracuje w Barcelonie i Lizbonie, a od ponad dekady bada europejskie plakaty wystawowe, ekspresjonistyczny rysunek oraz praktyczne różnice między obrazami muzealnymi a grafikami przeznaczonymi do domowych wnętrz.