Paul Klee stworzył ponad 9000 prac. Jego kariera obejmowała ekspresjonizm, abstrakcję, Bauhaus oraz polityczne wstrząsy w Niemczech lat 30. XX wieku. Kiedy przeglądamy listę słynnych obrazów Paula Klee, od razu widać ich różnorodność: niewielkie akwarele, duże płótna zbudowane z geometrycznych siatek, wymyślone symbole i postacie kreślone wyrazistą linią.

Dziesięć poniższych dzieł ukazuje ten rozwój w porządku chronologicznym. Każde wybraliśmy ze względu na jego miejsce w dorobku Klee, obecność w kolekcji ważnego muzeum albo wpływ na dzisiejsze rozumienie jego sztuki.

Jak wybraliśmy obrazy

Klee malował farbami olejnymi, akwarelą i temperą, pracował też tuszem i kredą. Korzystał również z wynalezionej przez siebie techniki transferowej. Reprezentatywny wybór musi pokazać coś więcej niż barwne kompozycje geometryczne. Powinien obejmować także rysunki, postacie, zwierzęta, symbole oraz późne obrazy malowane na szorstkich tkaninach.

Kolejnym kryterium było uznanie muzeów. Kilka wybranych prac należy do instytucji o znaczących zbiorach, w tym Museum of Modern Art w Nowym Jorku, Kunstmuseum Bern, Zentrum Paul Klee, Solomon R. Guggenheim Museum oraz Philadelphia Museum of Art. Ich dokumentacja konserwatorska dostarcza wiarygodnych informacji o materiałach, których na reprodukcjach często nie widać.

Popularność miała znaczenie, ale nie przesądzała o wyborze. Świergocząca maszyna i Kot i ptak to dobrze znane obrazy, natomiast W stylu Kairuanu pokazuje skalę eksperymentów Klee z kolorem. Uwzględniliśmy też późne dzieła, bo podważają przekonanie, że jego sztuka przez całe życie pozostawała subtelna i lekka.

Pierwsze przełomy w pracy z kolorem

1. Hammamet z meczetem, 1914

W kwietniu 1914 roku Klee wyjechał do Tunezji z niemieckimi artystami Augustem Mackem i Louisem Moilletem. Odwiedzili Tunis, St Germain, Hammamet i Kairuan, utrwalając akwarelą dziedzińce, ogrody oraz północnoafrykańską architekturę.

Hammamet z meczetem ukazuje rozpoznawalną wieżę i pas zabudowy. W dolnej części miasto rozpada się jednak na przezroczyste bloki różu, zieleni, żółci i błękitu. Klee pozostawił między niektórymi plamami widoczną biel papieru. Dzięki temu kolory pozostają odrębne i nie zlewają się w mętną całość.

Podróż trwała niespełna miesiąc, a jednak odmieniła jego sposób pracy. W dzienniku z Kairuanu Klee zapisał często cytowane słowa: 'Kolor mnie posiadł'. Jego wcześniejsze prace opierały się przede wszystkim na linii, natomiast tunezyjskie akwarele uczyniły z koloru konstrukcję obrazu.

2. W stylu Kairuanu, 1914

Jeszcze w 1914 roku Klee rozwinął te akwarelowe eksperymenty w kompozycję o niezwykle dużych rozmiarach. Pełny tytuł, W stylu Kairuanu, przetransponowane z umiarem, wskazuje, że artysta przetwarzał tunezyjskie obserwacje, zamiast wprost przedstawiać miasto.

Kompozycja ma ponad dwa metry wysokości. Prostokąty, koła i nieregularne plamy wypełniają powierzchnię, a ziemi od nieba nie oddziela żadna tradycyjna linia horyzontu. W siatce zachowało się kilka uproszczonych drzew i kopuł. Pokazuje to, że punktem wyjścia do abstrakcji była architektura.

Rozmiar odróżnia tę pracę od wielu kameralnych dzieł Klee na papierze. Artysta sprawdzał, czy przejrzyste relacje barw znane z niewielkiej akwareli zachowają spójność na powierzchni na tyle dużej, by oddziaływać na widza także fizycznie.

3. Angelus Novus, 1920

Klee stworzył Angelus Novus akwarelą i rysunkiem transferowym z użyciem farby olejnej. W tej technice umieszczał pokryty farbą papier pod czystym arkuszem i odwzorowywał na nim pierwotny szkic. Nacisk przenosił nierówną czarną linię, która przypomina druk, ale zachowuje niepewność ręcznego rysunku.

Filozof Walter Benjamin kupił pracę w 1921 roku. W eseju O pojęciu historii z 1940 roku opisał ją jako 'anioła historii', pędzącego ku przyszłości, choć zwróconego twarzą ku ruinom przeszłości. Sam Klee nie nadał obrazowi takiego politycznego znaczenia, ale interpretacja Benjamina wprowadziła tę niewielką pracę do filozofii XX wieku.

Dzieło należy dziś do Israel Museum w Jerozolimie. Sławę zawdzięcza spotkaniu dwóch idei: wymyślonego przez Klee anioła oraz refleksji Benjamina nad faszyzmem, wygnaniem i historyczną katastrofą.

Lata w Bauhausie

Walter Gropius powołał Klee do Bauhausu w 1920 roku, a artysta rozpoczął pracę dydaktyczną w Weimarze rok później. Przygotowywał szczegółowe wykłady o kolorze, ruchu i konstrukcji obrazu, a jednocześnie malował w pracowni w swoim domu. Nie narzucał studentom jednego stylu Bauhausu, ale nauczanie zmuszało go do objaśniania decyzji, które wielu artystów uznawało za intuicyjne.

4. Czerwony balon, 1922

W Czerwonym balonie, który należy dziś do Solomon R. Guggenheim Museum, nad zwartą zabudową miasta unosi się czerwone koło. Klee namalował obraz olejem na muślinie. Jego widoczny splot nadaje barwnej powierzchni bardziej suchą fakturę niż gładkie, zagruntowane płótno.

Miasto zostało zbudowane z prostokątów, trójkątów i schodkowych form. Klee zachował pełną czytelność balonu, otaczając go przygaszonymi różami, brązami i zieleniami. Cienka linka łączy koło z budynkami, ale nie przypisuje mu realistycznego położenia.

Obraz pokazuje, jak artysta równoważył przedstawienie i abstrakcję. Widz rozpoznaje balon i dachy, ale kompozycja działa najpierw jako układ kształtów, a dopiero potem jako widok konkretnego miejsca.

5. Świergocząca maszyna, 1922

Cztery ptakopodobne stworzenia siedzą na drucie połączonym z ręczną korbką. Otwarte dzioby sugerują śpiew, lecz obracający się mechanizm każe przypuszczać, że dźwięk może być powtarzalny, wymuszony lub mechaniczny.

Klee wykonał czarne kontury techniką transferu olejnego, a następnie nałożył akwarelą blade błękity, róże i fiolety. Museum of Modern Art opisuje pracę jako akwarelę oraz rysunek piórem i tuszem na olejnym rysunku transferowym na papierze. Warstwowość materiałów wyjaśnia, dlaczego linia jest bardziej szorstka niż w zwykłym rysunku piórkiem.

W tytule pojawia się niemieckie słowo Zwitscher-Maschine. Połączenie żywych ptaków z obsługiwanym urządzeniem wpisuje się w okres Bauhausu, kiedy artyści i projektanci dyskutowali o relacjach między ciałem, maszyną a produkcją przemysłową.

6. Senecio, 1922

Senecio przedstawia twarz podzieloną na barwne kwadraty i zaokrąglone pola. Dwoje kolistych oczu znajduje się na różnej wysokości, a usta zostały sprowadzone do krótkiej poziomej kreski. Tytuł może odnosić się do rodzaju kwitnących roślin Senecio, ale przypomina też łacińskie słowo oznaczające starca.

Klee namalował tę pracę na gazie przymocowanej do deski, a nie na tradycyjnym płótnie naciągniętym na krosno. Faktura tkaniny pozostaje widoczna pod cienką warstwą koloru, dzięki czemu geometryczne podziały nie wydają się mechanicznie płaskie.

Asymetryczne oczy i małe usta nadają głowie teatralny wyraz, choć artysta zrezygnował z realistycznego modelunku. Na początku kariery Klee studiował karykaturę, a wyolbrzymiona twarz zachowuje ślad tych zainteresowań pod geometryczną konstrukcją.

7. Magia ryb, 1925

Ryby, rośliny, zegar, krzyż i niewielka ludzka postać pojawiają się na ciemnym, granatowoczarnym tle Magii ryb. Klee potraktował powierzchnię jak nocną scenę, z której poszczególne przedmioty wyłaniają się na różnych głębokościach.

Artysta użył farby olejnej, akwareli i tuszu na płótnie. W pobliżu środka przymocował kwadrat muślinu i namalował na nim fragment kompozycji. Na reprodukcji trudno dostrzec jego krawędź, ale wprowadza ona fizyczną warstwę do wyobrażonej przestrzeni.

Walter i Louise Arensbergowie kupili obraz w 1937 roku, a później przekazali swoją kolekcję Philadelphia Museum of Art. Połączenie wodnego życia, znaków i przedmiotów pokazuje, dlaczego dzieł Klee nie da się łatwo zaklasyfikować jako abstrakcyjnych albo figuratywnych.

8. Kot i ptak, 1928

Głowa kota wypełnia niemal całą powierzchnię, a nad jego czołem siedzi mały ptak. Oczy kota kierują się ku niemu, przez co głównym tematem staje się pragnienie zwierzęcia, a nie sam pościg czy schwytanie ofiary.

Klee użył farby olejnej i tuszu na pokrytym zaprawą płótnie przymocowanym do drewna. Zaprawa tworzy jasne, chłonne podłoże, a cienkie warstwy różu i rdzawej czerwieni nie przesłaniają rytych oraz rysowanych znaków.

Pośrodku twarzy znajduje się nos w kształcie serca. Ptak umieszczony nad oczami wygląda raczej jak obraz w umyśle kota niż rzeczywisty ptak w pomieszczeniu. Museum of Modern Art nabyło dzieło w 1939 roku, rok przed śmiercią Klee.

Wielki format i siła późnych dzieł

Klee opuścił Bauhaus w 1931 roku, aby wykładać w Akademii Sztuki w Düsseldorfie. Naziści zwolnili go w kwietniu 1933 roku, policja przeszukała jego dom, a pod koniec tego samego roku artysta wrócił do Berna. Po 1935 roku jego stan zdrowia się pogarszał, choć w 1939 roku liczba tworzonych przez niego prac gwałtownie wzrosła.

9. Ad Parnassum, 1932

Ad Parnassum należy do największych obrazów Klee. Ma około metra wysokości i 1,26 metra szerokości. Artysta zbudował powierzchnię z setek niewielkich, barwnych znaków naniesionych na warstwowe podłoże, a następnie umieścił uproszczoną piramidę lub górę za pomarańczowym kołem.

Tytuł nawiązuje do Parnasu, góry związanej w mitologii greckiej z Apollinem i muzami. Przywołuje też traktat muzyczny Johanna Josepha Fuxa z 1725 roku, Gradus ad Parnassum, będący podręcznikiem nauki kontrapunktu. Klee był wykształconym skrzypkiem, a powtarzające się jednostki koloru stanowiły dla niego wizualny odpowiednik rytmu i wariacji.

W przeciwieństwie do punktów w XIX-wiecznym puentylizmie znaki Klee nie łączą się optycznie w naturalistyczną scenę. Tworzą fakturowe pole wokół kilku dużych figur geometrycznych. Obraz znajduje się dziś w Kunstmuseum Bern.

10. Śmierć i ogień, 1940

Klee ukończył Śmierć i ogień w ostatnim roku życia. Cierpiał wówczas na chorobę uznawaną dziś zazwyczaj za twardzinę układową, która wpływała na jego skórę i zdolność poruszania się.

Pośrodku znajduje się blada głowa przypominająca czaszkę, otoczona grubymi czarnymi znakami i czerwoną formą. Na twarzy i w sąsiednich kształtach można odczytać niemieckie słowo Tod, czyli śmierć. Litera T pojawia się w budowie twarzy, okrągłe oczy sugerują O, a z boku widać formę przypominającą D.

Klee użył barwnej pasty na jucie, szorstkim podłożu odpowiadającym ciężkim konturom jego późnego okresu. Kruche, przezroczyste plamy z 1914 roku ustąpiły miejsca gęstemu pigmentowi, dosadnym symbolom i obrazowi, który bezpośrednio mierzy się ze śmiertelnością. Artysta zmarł w pobliżu Locarno 29 czerwca 1940 roku.

Jak wybrać grafikę Klee na ścianę

Zacznij od koloru, a nie od popularności dzieła. Jasne błękity i przygaszone róże tunezyjskich akwarel dobrze współgrają z jasnym drewnem, lnem i ścianami w ciepłej bieli. Ciemniejsze prace, takie jak Magia ryb, potrzebują mocniejszego kontrastu w otoczeniu i wystarczającej ilości światła, aby drobniejsze symbole nie znikały oglądane z oddali.

Temat wpływa na nastrój równie mocno jak paleta. Architektoniczne siatki wprowadzają porządek, natomiast ptaki, koty i wymyślone rośliny przywołują rozpoznawalne formy, nie stając się dosłownymi ilustracjami. Nasza kolekcja Paula Klee obejmuje oba podejścia, dzięki czemu możesz porównać geometryczne kompozycje, takie jak Barwna architektura, z łagodniejszymi akwarelami, na przykład Swobodnymi formami.

Format powinien odpowiadać ścianie. Pionowe prace pasują do wąskich miejsc obok regału lub drzwi, natomiast kwadratowe kompozycje dobrze wyglądają nad niskimi szafkami. Z naszego doświadczenia wynika, że delikatne linie Klee są czytelniejsze w formacie A3 lub A2, choć zestaw mniejszych grafik A5 może nawiązywać do kameralnych rozmiarów jego prac na papierze.

Przed oprawieniem warto uczciwie rozważyć zalety i wady poszczególnych rozwiązań. Czarna aluminiowa rama wyraźnie domyka geometryczne obrazy, a jasna sosna łagodniej współgra z akwarelową paletą. Ramy magnetyczne pozostawiają grafikę bardziej odsłoniętą, dlatego nie sprawdzą się najlepiej w wilgotnej kuchni ani w miejscu wystawionym na bezpośrednie słońce. W takich warunkach papier lepiej ochroni rama z szybą. MORYARTY oferuje bezpłatne oprawianie, a ceny grafik bez ram zaczynają się od 6 €, natomiast oprawionych od 16 €.

Czy wiesz, że?

• Klee był utalentowanym skrzypkiem i grał w Miejskiej Orkiestrze w Bernie, zanim całkowicie poświęcił się sztukom wizualnym.
• Od 1911 roku katalogował własne prace, nadając im numery oraz zapisując tytuły, daty, materiały i nazwiska właścicieli.
• W latach 1916–1925 Klee wykonał około 50 kukiełek dla swojego syna Felixa, wykorzystując między innymi tkaninę, gips, kości i gniazdka elektryczne.
• Siedemnaście jego prac pokazano w 1937 roku na nazistowskiej wystawie Sztuka zdegenerowana w Monachium.
• Inskrypcja na grobie artysty przytacza jego słowa o tym, że trudno uchwycić go tu i teraz, ponieważ żyje zarówno wśród umarłych, jak i wśród nienarodzonych.
• Budynek Zentrum Paul Klee w Bernie zaprojektował Renzo Piano. Otwarto go w 2005 roku.

Krótkie odpowiedzi na częste pytania

Gdzie można zobaczyć największą kolekcję dzieł Klee? Zentrum Paul Klee w Bernie posiada około 4000 prac, czyli blisko 40 procent skatalogowanego dorobku artysty. Jednorazowo można pokazać tylko część z nich, ponieważ wiele dzieł na papierze wymaga kontrolowanej ekspozycji na światło, aby spowolnić blaknięcie.

Jak odróżnić oryginalną pracę Klee od kopii? Sprawdź podłoże, technikę, pochodzenie oraz numer referencyjny w dziewięciotomowym katalogu raisonné wydanym przez Paul Klee Foundation. Sama sygnatura niewiele mówi, bo podpisy i monogramy artysty łatwo skopiować.

Jak wymawia się nazwisko Klee? Niemiecka wymowa jest zbliżona do słowa 'kle' i ma jedną sylabę. Imię artysty wymawia się mniej więcej 'paul'.

Czy dzieła Klee są nadal chronione prawem autorskim w Europie? Klee zmarł w 1940 roku, dlatego standardowy europejski okres ochrony wynoszący 70 lat od śmierci twórcy upłynął z końcem 2010 roku. Zdjęcia wykonane przez muzea mogą jednak podlegać odrębnym prawom, zależnie od kraju i konkretnej fotografii.

Od którego dzieła Klee zacząć, jeśli chcę wybrać jedną grafikę? Do jasnego, przytulnego wnętrza bezpiecznym pierwszym wyborem będzie tunezyjska akwarela, taka jak Hammamet, ponieważ współgra z niemal każdym odcieniem drewna. Jeśli na ścianach już wiele się dzieje, pojedyncza praca o mocnym kontraście, na przykład Senecio, pozostanie czytelniejsza niż gęsta siatka oglądana z drugiego końca pokoju.

---

O autorze

MORYARTY od 2015 roku tworzy wybór reprodukcji plakatów vintage. Nasz zespół pracuje w Barcelonie i Lizbonie, a partnerzy handlowi działają w całej Europie. Szczególnie dobrze znamy ikonografię modernizmu i Bauhausu, w której odcień papieru, grubość linii oraz precyzyjne kadrowanie decydują o tym, czy reprodukcja zachowuje charakter udokumentowanego dzieła.

Źródła

• Zentrum Paul Klee. Paul Klee
• Museum of Modern Art. Paul Klee
• Solomon R. Guggenheim Museum. Czerwony balon
• Philadelphia Museum of Art. Magia ryb
• The Metropolitan Museum of Art. Paul Klee